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La libertad del diablo de Everardo González

Entrevistamos al director del documental La libertad del diablo, Everardo González

Everardo González es hoy por hoy el documentalista más importante del continente. Recientemente pudimos ver su más reciente película, un documental de terror y miedo sobre la violencia extrema en el corazón de México titulado La libertad del diablo. En Revista DC hablamos con él.

Por Iván Darío Hernández Jaramillo

DC: ¿Hay alguna relación con La libertad del diablo, la situación social en Colombia y el documental El acto de matar?
La relación que puede tener con El Acto de Matar de Joshua Oppenheimer tiene que ver con la teatralidad, y sí, efectivamente con darle voz a quienes se consideran los victimarios socialmente. No necesariamente fue una inspiración fuerte porque mi proyecto empezó antes de que yo viera este documental. Quizá una de las semillas del proyecto sí tiene una relación más directa con Colombia, y tiene que ver con la novela de Fernando Vallejo La virgen de los sicarios y es que desde que yo la leí hace muchos años, me preguntaba si el sicariato era consciente del daño que provocaba o no, y esa fue quizás la primera pregunta que hizo que yo me dedicara a hacer La libertad del diablo.

Everardo González La libertad del diablo

DC: ¿Cuál fue el principal reto para ti como documentalista al ir al corazón de Ciudad Juárez y narrar ambas caras de la moneda con el documental?
La película no solamente incluye voces de Ciudad Juárez, yo intenté hacer una radiografía de lo más que pudiera abarcar del país, y es gente que efectivamente está en Ciudad Juárez, otros están en el Estado de Tamaulipas, otros en el Estado de Sinaloa, otros en el Estado de Guerrero, Veracruz; pero una parte importante se centra en Ciudad Juárez, porque una de las organizaciones con quienes yo más trabajé fue Mexicanos en Exilio, que es gente mayoritariamente del Valle de Juárez que vive exiliada en El Paso Texas. El reto más complicado de esta película más allá de los riesgos que se corren, era no generar rumores en las zonas en las que vive la gente activa. Nosotros lo que hicimos fue desplazar a la gente a zonas neutrales para poder hablar con ellos, y que no sucediera lo que en México llamamos “calentar la plaza”, y que podía generar muchos rumores y vulneraba tanto a los personajes de esta película, como al equipo de filmación.

Everardo González La libertad del diablo

DC: ¿Por qué usaste el mismo tipo de máscara para todos los entrevistados?
La máscara fue una solicitud que yo hice a la gente, no hubo ninguno que me pidiera anonimato para esta película, entonces no había problema en mostrar el rostro, al menos en voz de los personajes. La máscara más bien es una vuelta al drama clásico, a la tragedia clásica, que permite que el testimonio tenga mucha más libertad y se vuelva más revelador que cuando se muestra el rostro. Por supuesto que va tomando otros significados, y uno importante es que todos están uniformados, no en la dimensión del dolor, pero sí probablemente en la dimensión del miedo; y la imagen de una mujer que se despoja de este rostro, es no sólo una mujer que se despoja del miedo, sino que se convierte en ese terrible arquetipo que tenemos todos en América Latina que es la madre de los desaparecidos.

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Carlos García o la magia del sonido en el cine

Carlos García vive en Dinamarca, es cartagenero y es hoy por hoy uno de los diseñadores sonoros para cine más relevantes del mundo.

Imagine encontrar tres películas en Cannes, haber sido parte de El abrazo de la Serpiente, Mi nombre no es Rubén Blades y los dos volúmenes de Ninfomanía de Lars Von Trier. Carlos García vive en Dinamarca, es cartagenero y es hoy por hoy uno de los diseñadores sonoros para cine más relevantes del mundo.

Alguna vez me contó que el sonido hipnótico y surrealista en la escena del universo de El abrazo de la serpiente eran los latidos del corazón de su hijo aún en el vientre de su madre. Es pues, quien nos atrapa el alma a través de los trucos más hermosos con los sonidos a través y más allá de la pantalla.

Por Iván Darío Hernández Jaramillo

Carlos García sonido cine

DC: ¿Qué suena en este momento en tu entorno? ¿Cuál música pones en los descansos de la edición de sonido?
Puede ser que estos años metido tan de lleno en la búsqueda de sensaciones, emociones, momentos, historias… Han convertido la realidad, el día a día, en el ingrediente fundamental del sonido de mis películas. Todo está allí, en la realidad, en aquello tangible, en la verdad por así decirlo. Lo que hago en las películas es un intento sensorial, narrativo, psicológico.
Muchas veces para abrir las jornadas de trabajo marco mi mood con algo de música. Depende muchísimo del tipo de película o proyecto en el cual esté trabajando. Por ejemplo, para El abrazo de la serpiente gran parte de mi inspiración fue el trabajo sonoro de Igor Wakhevitch.

DC: ¿Cómo inició tu relación amorosa con el sonido?
Digamos que desde muy pequeño he tenido una amplia gama de estímulos que me invitaban a la experiencia sonora. Nací en el Caribe y aunque poco lo viví, sí hubo en mi infancia ese mundo del soundsystem, la tradición oral, la charla reposada después de la siesta, el televisor y la radio 24/7 encendidos. Soy un cineasta especializado en sonido para cine, antes de especializarme en esa línea mis estudios fueron en dirección y producción. Trabajé un poco como productor hace años ya, en cosas de tv sobretodo, y con esa idea loca de hacer mi propia peli (que voy a hacer algún día) monté Blond Indian, productora con la que hemos hecho Pájaros de verano en compañía con Ciudad lunar, Violencia junto a Burning Blue, y otras cosas por ahí.

Después de intentar la producción y esos mundos, vino toda la formación sonora como tal… Creo que me di cuenta a tiempo que de algo había que vivir y que salir al mundo diciendo “soy director de cine” iba a ser una cosa compleja para mi maltrecha economía, más hace unos 15 años en Colombia. Cuando fui a Cuba quería estudiar montaje, pero fue el maestro Jerónimo Labrada, allí en San Antonio, quien me jaló hacia el sonido… En ese momento descubrí todo esto de contar las historias desde lo sonoro, luego me mandaron a Alemania a empaparme más en temas como la mezcla de cine y el sound design y tuve un tiempo interesante rodeado de técnicos, artistas y freaks del arte… muchos freaks.

Carlos García sonido cine

DC: Colaboras bastante con la productora Cristina Gallego. ¿Es ella el nuevo sonido del panorama del cine colombiano contemporáneo?
Cristina es amiga, comadre y socia. No la llamaría un nuevo sonido, siento que, en esta comparativa, ella sería todo un género que ha estado ahí creando, construyendo y trabajando duro estos últimos 15 años del cine en Colombia. Siento que es hasta ahora cuando se le da su lugar e importancia. Volviendo a los clásicos, en gran parte es la culpable de la creación de obras a las que no les caerá el polvo tan fácil en el espacio tiempo. Por esto para mí no es un nuevo sonido, ella está haciendo historia, ella es un clásico.

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I-Locks Labbé: “Gondwana no es una banda que haga discursos y proselitismo”

En el marco del Festival Jamming 2017, el bajista líder de los principales exponentes del reggae en Chile nos ofreció una entrevista exclusiva sobre su más reciente producción discográfica, Carpe Diem, así como de cuál ha sido el secreto de su extenso recorriendo, al estar celebrando los 30 años de existencia de Gondwana.

En el marco del Festival Jamming 2017, el bajista líder de los principales exponentes del reggae en Chile nos ofreció una entrevista exclusiva sobre su más reciente producción discográfica, Carpe Diem, así como de cuál ha sido el secreto de su extenso recorriendo, al estar celebrando los 30 años de existencia de Gondwana.

El disco, que corresponde a su décimo álbum de estudio, fue grabado entre diciembre de 2016 y marzo de 2017 y está compuesto por ocho canciones, dos versiones dub y una versión acústica de su primer sencillo ‘Si no fuera’, que invitan a los fanáticos a vivir una experiencia sensorial y espiritual profunda. Además, cuenta con invitados de lujo como Jorge Serrano de Los Auténticos Decadentes y Ky-Mani Marley.

Para I-Locks Labbé, Carpe Diem nació por una inspiración explosiva. “Fue como la necesidad de hacer un disco, pero sin proponérselo, se abrió paso solo. Las canciones llegaron y salieron muy rápido. Fluyeron de manera muy natural”, explicó. Por lo que esta producción se caracteriza por no haber sido planeada como tal, sino por haberse disfrutado el presente y cómo iban surgiendo las canciones. De allí su nombre.

“Es un disco que tiene un sonido bien particular y en general es un disco que está hecho en parte para nosotros mismos, para disfrutarlo. Por eso el mismo nombre que tiene que ver con disfrutar el momento que estamos viviendo después de 30 años. Tener la posibilidad de disfrutar en realidad lo que estamos viviendo”.

DC: Con 30 años de carrera artística, ¿cuál dirías que es el secreto de la banda?

¡Porque somos porfiados! Tozudos. Partimos con todo en contra. No fuimos tomados muy en serio al principio y era difícil porque no existía el reggae en Chile. Además, éramos principiantes en los instrumentos la mayoría. Pero como fuimos tan perseverantes y fuimos haciendo nuestra carrera con tanta dedicación, nos fuimos ganando el respeto de todos y haciendo buenas canciones en el transcurso del tiempo. Finalmente, eso es lo que importa, si tú haces buenas canciones eso es lo que llega a ocupar los espacios y el cariño de la gente.

Por ejemplo, todas nuestras canciones tienen que ver con cosas que son vividas. No son canciones creadas como para lograr algo, sino que son todas vivencias que quedan plasmadas en los discos. Y esas vivencias son iguales a las que le pueden suceder a cualquier persona.

Gondwana

DC: El reggae es un género que ha sido estigmatizado, ¿cómo dirían que ha cambiado esa percepción desde sus comienzos hasta ahora?

En el caso de Gondwana, nosotros nos convertimos en una banda de reggae and roll, entonces la gente logró compenetrarse con la banda y con este formato de música popular. Gondwana pertenece al formato de canciones y los estigmas se fueron dejando atrás porque también tiene que ver con los discursos, y Gondwana no es una banda que haga discursos y proselitismo. Hace un rato un joven me preguntaba qué quería transmitir con el disco. Pues no, solo hice música y quería compartir la música. Cada persona le da la interpretación que quiera a las letras y a las canciones. Pero básicamente lo que uno quiere transmitir está en la canción, del discurso no soy muy amigo.

DC: Aunque es raro, porque el reggae usualmente se usa para protesta…

Es una música de protesta, pero no tiene por qué ser una música de discursos. Muchas veces las bandas que dan muchos discursos son más buenos los discursos que las canciones (sin tampoco generalizar). A nosotros nos gusta hacer buena música y dejar los discursos para otras personas. Gondwana no va por ese camino.

DC: Como banda experimentada, ¿qué consejos les darían a los nuevos intérpretes de reggae?

Que se afirmen los pantalones porque el camino de la música no es fácil. Pero si uno persevera, le pone dedicación y amor a lo que hace, obviamente van a llegar a puerto como nos pasó a nosotros.

Mira el resto de la entrevista en este video: